О художниках и багетах

О багете. А вы знаете, что...? Багет вчера и сегодня.

Слово «баге́т» заимствовано из французского языка. Baguette - прут, палка Багет — гладкая или профилированная планка для изготовления рам и карнизов к картинам, произведениям графики, фотографиям и др.

Рама для картин как таковая появилась примерно в 14 веке, когда художники начали рисовать картины по холсту, которые необходимо было «защищать». До эпохи Возрождения изображения (мозаики, фрески) наносились на конструкции – стены, потолок, пол. Теперь рама начинает исполнять не только эстетическую, но и практическую функцию.

Однако багет ведет свою историю со времен античности. В то время мозаики, которыми украшались потолки, стены и полы зданий обрамлялись рамкой – бордюром. При этом рамка и изображение были неотделимы друг от друга и составляли одно целое. Декоративными бордюрами украшались страницы рукописных книг. Это была рамка, заполненная орнаментом как скромного, так и достаточно богатого содержания. Рамка разделяла внешний хаос и творческий порядок.

В эпоху Возрождения рама сама становится произведением искусства. Стало очевидным, что, рама может как украсить картину, так и испортить эффект от её восприятия. Поэтому художники придавали рамам большое значение. Известно, что Леонардо да Винчи своими руками изготавливал рамы для своих картин по собственным эскизам. Старинные итальянские рамы во времена Леонардо выполнялись из дерева, инкрустировались ценными породами дерева, в них даже вставлялись драгоценные камни. Мастера, делавшие багет для рам, ставили на багет свой фирменный "товарный знак" или подписывали свои рамы.

Постепенно развивается техника выполнения багета. Каждая эпоха приносила что-то свое в искусство изготовления рам. Оригинальным декором и формой багета отличались рамы Рококо, Барокко, Ампир, Модерн. Разнообразие декора багета соответствовало архитектурным стилям эпох.

В 17 веке при развитии жанровой живописи в Северной Европе формы рам становятся проще, чтобы сконцентрировать внимание зрителя на смысловой задумке картин. Простые формы рам благородного чёрного или коричневого цветов прижились в Северной Европе, они прекрасно сочетались с пейзажами и натюрмортами. В конце 19 века с появлением новых течений в живописи меняется и рама. Например, яркая живопись импрессионистов лучше всего сочеталась с простыми белыми рамами. Из материалов, помимо дерева, стали использовать кожу и металл.

Со временем в рамы стали заключать не только предметы искусства – картины, но и утилитарные предметы, например, зеркала. Современные материалы и технологии позволяют изготавливать багет самых разнообразных видов. В рамы из современного багета можно заключить практически все: живописное полотно, детский рисунок, вышивку, фотографии, документы и письма, антикварные ювелирные украшения, денежные купюры и монеты.

Багет стал широко использоваться в оформлении помещений. Например, багетом можно обрамить аквариум, встроенный в стену. С помощью багета возможно множество индивидуальных решений интерьера. Багет обладает способностью изменять привычный вид окружающих нас предметов. Багет предоставляет широкие возможности для творчества и воплощения ваших замыслов.

Женский образ в живописи. Художник Д. Г. Левицкий. Портрет М. Дьяковой

В декабре 1770 года в доме петербургского барина Бакунина состоялись один за другим несколько домашних спектаклей. Главные партии пели сёстры Дьяковы, а одну из второстепенных – Николай Александрович Львов, в те годы ещё не прославивший себя ни сочинением стихов, ни замечательными архитекторскими проектами и постройками, ни исследованиями по горнорудному делу, ни собиранием народных песен. Тогда его знали просто как молодого обаятельного человека. Все приглашённые на спектакли были очарованы пленительной игрой и пением Машеньки Дьяковой. Среди приглашённых друзей Львова был, по всей видимости, и Дмитрий Григорьевич Левицкий.

Художник Левицкий в ту пору уже известен и при дворе, и в кругах великосветской знати. Он не стремится к популярности и не берёт заказы от всех желающих, но почти каждому выполненному им портрету сопутствует громкая молва. Именно Левицкому поручают написать портрет французского философа Дидро, гостившего в России по приглашению Екатерины II. В начале 70-х годов Левицкий получает заказ на исполнение целой серии портретов воспитанниц Смольного института. Это была работа, в которой художник раскрылся как человек со своим понимание красоты. Его увлекают не столько правильность пропорций и черт лица, сколько душевные качества модели и естественность.

В Николае Львове Левицкий встретил человека очень близкого себе, родную душу. В нескольких написанных им в разные годы портретах Львова какая-то особая притягательность. Любовь Николая Львова к Машеньке Дьяковой, видимо, не оставалась тайной для художника. Но, возможно, он и не знал, что Львов несколько раз просил её руки, но получал отказ от её родителей. Для обер-прокурора сената невелика была честь отдать дочь за небогатого дворянина. Левицкий не мог не заметить чувств Николая Львова. Получив заказ написать портрет Машеньки Дьяковой, художник часто бывал не только в доме Дьяковых, но и у Бакуниных, где жил Львов. Вскоре и сам Левицкий попадает под чары Дьяковой. В ней было всё, что он ценил в женщине: внешнее очарование, артистизм, музыкальная чуткость, несомненный ум. Но, самое главное, он угадывал в ней способность любить самоотверженно и верно.

Левицкий оказался свидетелем и летописцем одной их романтических историй 18 века, истории Ромео и Джульетты со счастливым концом. Только незаурядная девушка способна была поступить так, как поступила Машенька. Тайно обвенчавшись с Львовым, она продолжила жить в родительском доме, скрывая от родителей своё замужество. Она была уверена, что благодаря своим талантам Львов добьётся признания, сумеет завоевать расположение её отца. А любящим были запрещены встречи, запрещено разговаривать друг с другом. Только в 1783 году, когда Львов был избран членом Российской академии, получил чин коллежского советника, когда начались его успехи на архитектурном поприще, родители Дьяковой согласились на этот брак.

Левицкий написал второй портрет Машеньки, теперь уже Львовой. Она уже другая: в её взгляде спокойная уверенность будущей матери большого семейства (она родила пятерых детей), уверенность женщины, которая не сомневается в безусловной любви к ней мужа. В любви Марии Алексеевны, её стойкости, незаурядном уме черпал свои силы Николай Александрович Львов - писатель, музыковед, ученый и изобретатель, архитектор и график, один из наиболее универсальных талантов русского "века Просвещения".

Автор Л. Осипова

Женский образ в живописи. Художник Ф. С. Рокотов. Портрет А. П. Струйской

Оказавшись у портрета Александры Петровны Струйской при посещении Третьяковской галереи, сразу вспоминаешь строчки из стихотворения Заболоцкого:
Ты помнишь, как из тьмы былого,
Едва закутана в атлас,
С портрета Рокотова снова
Смотрела Струйская на нас?
Её глаза – как два тумана,
Полуулыбка, полуплач,
Её глаза – как два обмана,
Покрытых мглою неудач.


В 1772 году восемнадцатилетняя Александра Петровна Струйская (урождённая Озерова) была просватана за богатого помещика Николая Еремеевича Струйского. К женитьбе Струйский готовился долго и торжественно. Он заказал свой портрет и портрет своей невесты известнейшему в те годы художнику Фёдору Степановичу Рокотову.

В то время Рокотову было около сорока лет, он имел звание академика живописи, был очень востребован. В его искусстве было то, что казалось непостижимой тайной. Рокотов в чём-то даже изменял верности натуре, не стремился к абсолютному сходству. Замечено, что на всех его портретах у моделей прищуренные, удлиненные, характерные «рокотовские» глаза. Эти глаза живут. Художник как бы переселял на полотна души изображаемых им людей.

Фёдор Степанович Рокотов отличался удивительной проницательностью. И надо думать, когда перед ним впервые предстала позирующая невеста Струйского, он понял всю беззащитность её перед жизнью, предвидел её будущее рядом с диким сумасбродом. И, конечно, был тронут её юной красотой. Рокотов знал толк в красоте. Он писал портреты многих известных красавец своего времени. Красота Струйской показалась ему особой: она несла в мир добро и любовь. Была ли Александра Петровна счастлива в своём замужестве? Все, кто бывал в имении Струйского, обращали внимание на то, как несхожи между собой супруги. Николай Еремеевич пугал своими причудами.

Известно, что в течении многих лет, вплоть до смерти Струйского в 1796 году Рокотов часто бывал в его имении Рузаевка и считался другом дома. К самому Струйскому он, очевидно, не испытывал никаких дружеских чувств. Наверное, в Рузаевку его влекла возможность общения с Александрой Петровной. Может быть, он просто отдыхал в той атмосфере благожелательности, которую эта женщина умела создать вокруг себя.

Александра Петровна Струйская пережила мужа более чем на сорок лет, Её внук А.И. Полежаев – известный русский поэт

Л. Осипова

Женский образ в живописи. Художник В. М. Васнецов. Портрет В. С. Мамонтовой

Портрет девушки в светлом платье. Её стройная фигурка скульптурно выделяется на фоне тёмной листвы деревьев. Тонкие черты лица выписаны художником со старанием и любовью. Обращённый на зрителя прямой серьёзный взгляд девушки притягивает к себе. Портрет написан Виктором Михайловичем Васнецовым летом 1896 года в Абрамцево, имении известного мецената Саввы Ивановича Мамонтова. Мамонтов был одним из первых, кто поверил в призвание художника. Васнецов подолгу жил в Абрамцево.

Из всех детей Мамонтова особенно выделялась Верочка, обаятельная проказница и умница, обращавшая на себя всеобщее внимание необычным взглядом глубоких чёрных глаз. Когда эту девочку впервые увидел скульптор Антакольский, он назвал её «абрамцевской богиней».

В 1881 году, когда В. М. Васнецов стал писать свою картину «Алёнушка», Верочке было семь лет. Особенно долго он промучился с лицом Алёнушки. Ни одна из деревенских девочек, позировавших ему, не походила на сказочную сестрицу Иванушки, какой художник её представлял. Лицо Алёнушки Васнецов написал с Верочки Мамонтовой.

Художник гордился тем, что, даже нуждаясь, никогда не брался за заказные портреты, и писал только то, что было дорого и близко его сердцу. Веру Мамонтову он порывался писать несколько раз. Останавливало лишь то, что девочку в своё время успел прославить Валентин Серов. «Девочка с персиками», написанная Серовым в 1887 году (Верочке было двенадцать лет) имела шумный успех на выставке, и была куплена Третьяковым для его галереи. Васнецов решился написать портрет своей любимицы, когда узнал, что она стала невестой. Художник захотел подарить портрет её будущему мужу, своему доброму знакомому А. Самарину.

Вскоре Вера Мамонтова вышла замуж и была счастлива. Только недолгим было счастье молодой прекрасной женщины. Ока простудилась и умерла в возрасте 32 лет. Но в созданиях двух великих русских художников, Валентина Серова и Виктора Васнецова, ей уготована была вечная жизнь.

Л. Осипова

Женский образ в живописи. Художник В. Серов. Мгновения счастья.

Про свою картину «Девушка, освещённая солнцем» Серов как-то сказал: «Написал вот эту вещь, а потом, всю жизнь, как ни пыжился, ничего уж не вышло…».

Лето 1888 года Серов решил провести в имении родственников в Домотканове недалеко от Твери. Он заранее предвкушал все летние удовольствия, а, главное, возможность много работать. Было ему только двадцать три года. Живописи он начал учиться очень рано. В восемь лет он уже стал учеником Репина, который поражался невероятной усидчивости ребёнка, решительности и смелости его рисунков. Репин, конечно, понимал, что кроме способностей у мальчика была возможность с самых ранних лет воспитывать свой художественный вкус, развивать эстетическое чутьё.

Валентин Серов родился в семье известного композитора. Мать его была замечательным музыкантом, энергичной общественной деятельницей. Вместе с ней Валентин ездил по Германии, жил некоторое время в Париже, а с десяти лет подолгу гостил в Абрамцево, где в то время собирались и работали лучшие русские художники. Не удивительно, что впоследствии его вкус был признан абсолютным. Серов ненавидел в искусстве пошлость, банальность, всегда стремился к предельной простоте и естественности. Он считал, что правда и поэзия в искусстве нераздельны, что истинную красоту надо искать в обыкновенном.

В Домотканове художник влюбился в Лелю Трубникову, которая через год стала его женой и верной спутницей на всю жизнь.

Но на картине «Девушка, освещённая солнцем» изображена его двоюродная сестра Маша. Она была привлекательной девушкой, но отнюдь не красавицей. Но обыкновенность и привлекла молодого художника. Запечатлеть скрытую, незаметную для всех прелесть обычного – это казалось ему наиболее интересным. Маша сама готовилась поступать в художественное училище, впоследствии стала скульптором.

Серов писал в саду, ветер шевелил листву, от этого беспрестанно менялось освещение, а вместе с ним тона и оттенки кожи, волос, платья. И все эти изменения художник хотел передать, потому что перед ним была живая жизнь, где всё связано воедино – игра солнца и ветра, задумавшаяся Маша, вчерашний спор по поводу занятий в земской школе, его собственная любовь к Леле и переполнявшее ощущение молодости, веры в своё призвание.

Тогда, в Домотканове, Валентин Серов работал с упоением. Погода стояла ровная, можно было писать каждый день все три месяца. И с каждым мазком делать всё новые и новые открытия, всё больше постигать красоту мира, переживая мгновения настоящего счастья.

Л. Осипова

Женский образ в живописи. Художник В. Поленов. Портрет В. Д. Хрущовой.

В музее - усадьбе художника В. Д. Поленова под Тарусой висит портрет молодой женщины в чёрном платье. В её ясном взгляде, спокойной позе, скромном платье нет ничего нарочитого, обращающего на себя внимание. И лицо её сначала кажется самым обычным. Но, вглядевшись, понимаешь, что оно очень хорошо. В нём есть то, что многие художники ценили выше правильной классической красоты, - обаяние. Кто же она? Это Вера Дмитриевна Поленова, по мужу Хрущова, сестра художника (они были близнецами). На многие годы самый любимый и добрый его друг.

В доме-музее Поленова сохранилась переписка Василия Дмитриевича с Верой, её рисунки, воспоминания родных о ней. В библиотеке музея можно найти книгу, которая воскрешает детство Василия и Веры Поленовых написанную их матерью Марией Алексеевной. Называется она «Лето в Царском Селе». Под вымышленными именами в этой книге описываются маленькие братья и сёстры, рассказывается об их каждодневных прогулках в парках Царского села (там родители снимали дачу), прогулках, которые сопровождались беседами взрослых. В поленовском доме царила атмосфера увлечения искусством. Сама Мария Алексеевна писала маслом пейзажи, прекрасно владела карандашом и пастелью. Отец – Дмитрий Васильевич серьёзно занимался археологией и историей искусств. По вечерам в доме собирались художники, и детям не возбранялось до позднего часа слушать их рассказы.

Вера Дмитриевна стала брать уроки живописи, но вскоре поняла, что это не её призвание. Она рано вышла замуж за своего гимназического учителя, и жизнь её могла легко войти в обычную колею, стать похожей на судьбу многих её сверстниц из обеспеченных семей. Но этого не случилось. Живая, деятельная по натуре, не терпящая, как, впрочем, все Поленовы, праздности, Вера Дмитриевна увлекается идеями народников. В Киеве, где она живёт с мужем, устраивает школу для бедных и сама даёт уроки. Во время русско-турецкой войны 1877-1878 годов она решает работать в военном госпитале. Ранее, окончив медицинские курсы, она лечила крестьян. Ей поручают заведование отделением военного госпиталя. Не хватает медикаментов, продовольствия, и Вера начинает благотворительную деятельность.

В жизни Веры Дмитриевны много значили семейные связи: отношения с родителями, дружба с сестрой Еленой и особенно с братом Василием. Они были очень похожи: и внешне и характерами, их сближали и напряжённость душевной жизни и постоянные поиски себя. Портрет Веры Василий Дмитриевич Поленов написал в 1874 году в Париже, где в это время жил, знакомясь с художественной жизнью французской столицы. Осенью этого года приехали в Париж почти все Поленовы – и родители, и сёстры, и старший брат.

Летом 1881 года Поленовы все вместе собрались в Имоченцах – имении отца, где прошло их детство. Старый дом звенел от голосов. Вечерами раздавались звуки фортепиано, звучала оратория «Два мира», написанная Василием Поленовым. Кроме живописи он увлекался музыкой. Днём совершались увлекательные путешествия в лодке по реке Ояти, устраивались геологические и археологические исследования окрестных мест. А по вечерам семья собиралась для чтения вслух серьёзных книг по астрономии, истории Земли, истории России.

Вера и Василий в это лето много времени проводили вместе, вдвоём ходили на этюды – Василий Дмитриевич писал, а сестра в сторонке читала. Им представлялось, что жизнь ещё впереди, тридцать семь прожитых лет – лишь разбег к тому, что предстоит ещё совершить. Но для Веры это лето было последним. Возвращаясь из деревни, она простудилась и умерла о плеврита. Дни и ночи, которые Василий Дмитриевич провёл у постели больной, своё состояние того времени он выразил в известной картине «Больная». Память о сестре Вере была для Василия Дмитриевича памятью о молодости с её высокими идеалами. Этой памяти художник остался верен на всю жизнь.

Л. Осипова

Женский образ в живописи. Художник П. А. Федотов. Портрет Н. П. Жданович за фортепиано.

Павел Андреевич Федотов родился в 1815 году в Москве в семье отставного офицера, бывшего суворовского солдата. Он разносторонне одарён: не только рисует, но и сочиняет музыку, пишет стихи, друзья ценят его как отличного рассказчика. Федотов блестяще закончил Московский кадетский корпус, а затем исправно служил в лейб-гвардии Финляндского полка в Петербурге. Молодой офицер одновременно со службой посещал рисовальные курсы Академии художеств.

Желая всецело посвятить себя искусству, Федотов мечтал оставить военную службу, но удерживала необходимость заботиться о близких. В ту пору на его попечении находились сёстры и престарелый отец. И всё-таки в 1844 году Федотов отказался от карьеры и материальной обеспеченности ради жизни свободного художника. Он с головой окунулся в самую гущу городской жизни, подмечая всюду самое характерное. Выразительной физиономии какого-нибудь случайно встреченного купца художник радуется, по его собственному признанию, как возлюбленный – невесте. Знаменитый Карл Брюллов замечает, что «счастье Федотова в том, что он смотрит на натуру своими глазами». Брюллов ходатайствует перед советом академии о присуждении Федотову звания академика.

Шумная известность не изменила чуждый тщеславию характер художника. Пышности модных гостиных Федотов предпочитает общество товарищей по полку, начинающих литераторов, чьи имена лишь впоследствии станут известными. В этом своём кругу он считается блестящим рассказчиком и талантливым исполнителем песен собственного сочинения. Художник часто пишет портреты друзей – небольшие по размеру, непарадные, но всегда согретые искренним чувством. Особенно удавались ему женские портреты. Небогатый и невидный Федотов пользовался неизменным расположением женщин.

Наденька Жданович росла на глазах художника. Она была самой младшей из сестёр его товарища офицера Ждановича, и по видимому, наиболее симпатичной Федотову. Поначалу он любовался её радостной непосредственностью, потом с уважением и интересом следил за формированием её личности, отмеченной своеобразием и одарённостью. Федотов писал её дважды. На втором портрете – юная и очень серьёзная выпускница Смольного института, воплощение прямодушной естественности. Художнику удалось уловить момент вдохновения юной музыкантши. Образ Наденьки Жданович за фортепиано признан знатоками лучшим из портретов, созданных Федотовым.

Жизнь художника складывалась непросто. Волна славы откатилась и затихла. Картины не покупались. Но Федотов с таким достоинством переносил бедность, что даже друзья не решались помогать ему. Вместе с душевным надломом растёт и изоляция художника. Недавние покровители отворачиваются от Федотова, они воспринимают сатирический дар художника, проявившийся в его картинах с реалистическими сценками, как нечто взрывоопасное. Начинается травля живописца в печати. Мир становится для Федотова тёмен и тесен.

Помещённый в лечебницу для душевно больных художник не перестаёт рисовать. На одном из последних рисунков огромный Николай I, как букашку, в лупу рассматривает маленького Федотова. С горькой иронией Федотов подвёл жизненный итог: «Мой оплёванный судьбой фурор… оказался не громом, а жужжанием комара». В1852 году смерть тридцатисемилетнего живописца была встречена молчанием официальной прессы. На похоронах Федотова присутствовало лишь несколько его ближайших друзей.

О. Петрочук.

Карл Брюллов. Портрет сестёр Шишмарёрых. Торжество красоты

Большой портрет сестёр Шишмарёвых, как и многие создания Карла Брюллова, обладает силой мгновенного пленения зрителя. Брюллов любил живописные эффекты и умел пользоваться ими. Праздничность отличает всё творчество Брюллова. Он преклонялся перед красотой, в своих полотнах славил её торжество. Н. В. Гоголь заметил: «… у Брюллова человек является для того, чтобы показать всю красоту свою, всё верховное изящество своей природы». Женские портреты художника – это галерея красавиц. Неизменен его восторг, неизменно то жизнеутверждающее начало, которое всегда связано с представлением о прекрасном.

За пять лет до написания портрета сестёр Шишмарёвых Брюллов вернулся из Италии. В России его ждал триумф. Привезённое грандиозное полотно «Последний день Помпеи» принесло ему, кроме академических почестей и лавров, имя «Великого Карла» - так называли его теперь в художественной и литературной среде. Было известно, что Брюллов необычайно избирателен в заказах. Рассказывали даже, что император Николай I, несмотря на не раз и прямо высказанное желание иметь свой портрет, так и не дождался «милости» художника.

Афанасий Фёдорович Шишмарёв, богатый барин, любитель искусств, покровитель художников и артистов, обратился к Брюллову с просьбой написать его дочерей. Познакомившись с сёстрами, художник не мог не оценить их прелести. Они были и похожи и непохожи друг на друга. Старшая казалась более открытой и свободной в разговоре, грациозной была вся её повадка, все движения. Младшая представлялась более сдержанной, угловатой, похожей на подростка. Обе музицировали, хорошо рисовали, писали красками и, как все в доме, были увлечены искусством, литературой. Замысел портрета-картины сложился у Брюллова, по свидетельству современников, сразу же, как только он познакомился с сёстрами.

Жанр портрета-картины использовался Брюлловым неоднократно, такова его «Всадница», портрет Самойловой на маскараде и другие. Впечатление от тех, кого он писал, подсказывало каждый раз новую обстановку, новое окружение, подсказывало соответствующие позы и движения. Сестёр Шишмарёвых художник писал, как сцену из спектакля, перенеся действие из небольшой усадьбы под сереньким петербургским небом в сверкающий, залитый ярким солнцем мир. Русский конюх превратился в чёрного грума, хорошо выезженные лошади – в бешенных арабских скакунов.

Две изящные амазонки, сходящие по мраморным ступеням лестницы, представляются прекрасным видением художника, воспоминанием о далёкой Италии или о Константинополе, где побывал Брюллов, возвращаясь из Рима в Россию. Через сияние света и солнца на полотне, через мажорные сочетания цветов художник передаёт своё ликование от встречи с ещё не расцветшей, а только рождающейся красотой. В этом обрамлении, в этой великолепной раме скромная и несмелая грация обыкновенных русских барышень оказалась необычайно выигрышной. А торжество красоты – неизменным и вечным.